domingo, 30 de outubro de 2011
quinta-feira, 13 de outubro de 2011
Julião Sarmento
Julião Sarmento
Julião Sarmento nasceu em Lisboa, em 1948. Estudou pintura e arquitectura na ESBAL de 1967 a 1974. Vive e trabalha no Estoril.
Da nova vaga de artistas plásticos portugueses, Julião Sarmento é, sem dúvida, o mais internacional e aclamado de todos.
Para tal muito contribuiu a sua presença nas Documenta de Kassel (1982 e 1987), na Bienal de Veneza em 1997, como representante de Portugal, e em 2001, com um trabalho de parceria com Atom Egoyan, assim como na Exposição Metropolis em 1991, em Berlim e em 2002, na Bienal de São Paulo.
Simultaneamente o seu trabalho académico, como professor, também o levaram a novos horizontes que desta forma se abriram à sua obra.
Assim foi docente no Center for Contemporany Art, em Kitakyushu, Japão (1997), na Akademie Der Biloenden Kunste Munchen, na Alemanha (1998/1999 begin_of_the_skype_highlighting 1998/1999 end_of_the_skype_highlighting) e na Facultad de Bellas Artes r11; Universidade Cumplutense, em Madrid.
Paralelamente Julião Sarmento tem exposto em diversas galerias de renome não só na Europa, como nos EUA e Japão.
Importantes retrospectivas da sua obra foram feitas em Witte de With (Roterdão, 1991), Centro de Arte Reina Sofia (Madrid, 1992), e Fundação Calouste Gulbenkian (Lisboa, 1993 e 2000).
Utilizando vários suportes (pintura, desenho, fotografia, filme, instalação) O trabalho de Julião Sarmento não deixa por isso de apresentar uma coerência e qualidade que remonta aos primeiros trabalhos. A sua obra é actual sem ser meramente conceptual.
De facto, Julião Sarmento parte da figuração para gravar ;momentos;, extractos de uma estória, que valem r0;per sir1;, não só pelo que é mostrado mas, sobretudo, pelo que está ausente.
Este binómio Presença/Ausência é manipulado na perfeição só encontrando paralelo, por analogia, aos compositores românticos nas suas construções erigidas sobre o Som/Silêncio. Temos pois que Julião Sarmento surge como um narrador.
No caso presente pelo recurso sistemático às ausências, a obra é mais manipuladora da imaginação, logo mais aberta, porém menos agressiva do que a dos grandes figurativos, mas nem por isso menos poética.
As suas obras podem ser encontradas em inúmeras colecções portuguesas e internacionais das quais destacamos:
CAMJAP ; Fundação Gulbenkian; Museu Serralves; Fundació La Caixa (Barcelona); Hishorn Museum and Sculture Garden (Washigton); Moderna Meseet (Estocolmo), MoMa (Nova Iorque); Startlische Galerie am Lembachaus (Munique); Stedelik Van Abbemuseum (Eindhoven); etc.
Da nova vaga de artistas plásticos portugueses, Julião Sarmento é, sem dúvida, o mais internacional e aclamado de todos.
Para tal muito contribuiu a sua presença nas Documenta de Kassel (1982 e 1987), na Bienal de Veneza em 1997, como representante de Portugal, e em 2001, com um trabalho de parceria com Atom Egoyan, assim como na Exposição Metropolis em 1991, em Berlim e em 2002, na Bienal de São Paulo.
Simultaneamente o seu trabalho académico, como professor, também o levaram a novos horizontes que desta forma se abriram à sua obra.
Assim foi docente no Center for Contemporany Art, em Kitakyushu, Japão (1997), na Akademie Der Biloenden Kunste Munchen, na Alemanha (1998/1999 begin_of_the_skype_highlighting 1998/1999 end_of_the_skype_highlighting) e na Facultad de Bellas Artes r11; Universidade Cumplutense, em Madrid.
Paralelamente Julião Sarmento tem exposto em diversas galerias de renome não só na Europa, como nos EUA e Japão.
Importantes retrospectivas da sua obra foram feitas em Witte de With (Roterdão, 1991), Centro de Arte Reina Sofia (Madrid, 1992), e Fundação Calouste Gulbenkian (Lisboa, 1993 e 2000).
Utilizando vários suportes (pintura, desenho, fotografia, filme, instalação) O trabalho de Julião Sarmento não deixa por isso de apresentar uma coerência e qualidade que remonta aos primeiros trabalhos. A sua obra é actual sem ser meramente conceptual.
De facto, Julião Sarmento parte da figuração para gravar ;momentos;, extractos de uma estória, que valem r0;per sir1;, não só pelo que é mostrado mas, sobretudo, pelo que está ausente.
Este binómio Presença/Ausência é manipulado na perfeição só encontrando paralelo, por analogia, aos compositores românticos nas suas construções erigidas sobre o Som/Silêncio. Temos pois que Julião Sarmento surge como um narrador.
No caso presente pelo recurso sistemático às ausências, a obra é mais manipuladora da imaginação, logo mais aberta, porém menos agressiva do que a dos grandes figurativos, mas nem por isso menos poética.
As suas obras podem ser encontradas em inúmeras colecções portuguesas e internacionais das quais destacamos:
CAMJAP ; Fundação Gulbenkian; Museu Serralves; Fundació La Caixa (Barcelona); Hishorn Museum and Sculture Garden (Washigton); Moderna Meseet (Estocolmo), MoMa (Nova Iorque); Startlische Galerie am Lembachaus (Munique); Stedelik Van Abbemuseum (Eindhoven); etc.
Joseph Cornell
Joseph Cornell nasceu na véspera de Natal 1903. Ele era o mais velho dos quatro filhos de Helen e Joseph Cornell. Ele tinha duas irmãs, Betty e Helen, e um irmão, Robert.
Cornell cresceu em uma casa grande em Nyack, Nova York, uma cidade pitoresca vitoriana no rio Hudson. Pais de Cornell compartilhados seu amor pela música, ballet, literatura e com seus filhos. Noites foram gastos em torno do piano, ou ouvir música na vitrola da família. Viagens a Nova York significava mostra vaudeville em Times Square ou atos mágicos no Hipódromo. Seu pai muitas vezes retornou de seu emprego em Manhattan com a música nova folha, encantos de prata, ou um bolso cheio de doces. Mas a infância Cornell não foi sem tristeza. Seu irmão, nascido com paralisia cerebral, estava confinado a uma cadeira de rodas. Joseph, que era extremamente ligado a Robert, tornou-se seu guardião principal.
Manifesto Bruce Mao
MANIFESTO BRUCE MAO
1. Allow events to change you. You have to be willing to grow.
Growth is different from something that happens to you. You produce
it. You live it. The prerequisites for growth: the openness to experience
events and the willingness to be changed by them.
2. Forget about good. Good is a known quantity. Good is what we
all agree on. Growth is not necessarily good. Growth is an exploration of
unlit recesses that may or may not yield to our research. As long as you
stick to good you’ll never have real growth.
3. Process is more important than outcome. When the
outcome drives the process we will only ever go to where we’ve
already been. If process drives outcome we may not know where we’re
going, but we will know we want to be there.
4. Love your experiments (as you would an ugly child).
Joy is the engine of growth. Exploit the liberty in casting your work as
beautiful experiments, iterations, attempts, trials, and errors. Take the long
view and allow yourself the fun of failure every day.
5. Go deep. The deeper you go the more likely you will discover
something of value.
6. Capture accidents. The wrong answer is the right answer in
search of a different question. Collect wrong answers as part of the
process. Ask different questions.
7. Study. A studio is a place of study. Use the necessity of production
as an excuse to study. Everyone will benefit.
8. Drift. Allow yourself to wander aimlessly. Explore adjacencies. Lack
judgment. Postpone criticism.
9. Begin anywhere. John Cage tells us that not knowing where to
begin is a common form of paralysis. His advice: begin anywhere.
10. Everyone is a leader. Growth happens. Whenever it does,
allow it to emerge. Learn to follow when it makes sense. Let anyone
lead.
11. Harvest ideas. Edit applications. Ideas need a dynamic, fluid,
generous environment to sustain life. Applications, on the other hand,
benefit from critical rigor. Produce a high ratio of ideas to applications.
12. Keep moving. The market and its operations have a tendency to
reinforce success. Resist it. Allow failure and migration to be part of your
practice.
13. Slow down. Desynchronize from standard time frames and
surprising opportunities may present themselves.
14. Don’t be cool. Cool is conservative fear dressed in black. Free
yourself from limits of this sort.
15. Ask stupid questions. Growth is fueled by desire and
innocence. Assess the answer, not the question. Imagine learning
throughout your life at the rate of an infant.
16. Collaborate. The space between people working together is
filled with conflict, friction, strife, exhilaration, delight, and vast creative
potential.
17. ——————————. Intentionally left blank. Allow space for
the ideas you haven’t had yet, and for the ideas of others.
18. Stay up late. Strange things happen when you’ve gone too far,
been up too long, worked too hard, and you’re separated from the rest
of the world.
19. Work the metaphor. Every object has the capacity to stand for
something other than what is apparent. Work on what it stands for.
20. Be careful to take risks. Time is genetic. Today is the child of
yesterday and the parent of tomorrow. The work you produce today
will create your future.
21. Repeat yourself. If you like it, do it again. If you don’t like it, do it
again.
22. Make your own tools. Hybridize your tools in order to build
unique things. Even simple tools that are your own can yield entirely new
avenues of exploration. Remember, tools amplify our capacities, so even
a small tool can make a big difference.
23. Stand on someone’s shoulders. You can travel farther
carried on the accomplishments of those who came before you. And
the view is so much better.
24. Avoid software. The problem with software is that everyone
has it.
25. Don’t clean your desk. You might find something in the
morning that you can’t see tonight.
26. Don’t enter awards competitions. Just don’t. It’s not
good for you.
27. Read only left-hand pages. Marshall McLuhan did this. By
decreasing the amount of information, we leave room for what he called
our “noodle.”
28. Make new words. Expand the lexicon. The new conditions
demand a new way of thinking. The thinking demands new forms of
expression. The expression generates new conditions.
29. Think with your mind. Forget technology. Creativity is not
device-dependent.
30. Organization = Liberty. Real innovation in design, or any
other field, happens in context. That context is usually some form of
cooperatively managed enterprise. Frank Gehry, for instance, is only able
to realize Bilbao because his studio can deliver it on budget. The myth
of a split between “creatives” and “suits” is what Leonard Cohen calls a
‘charming artifact of the past.’
31. Don’t borrow money. Once again, Frank Gehry’s advice. By
maintaining financial control, we maintain creative control. It’s not exactly
rocket science, but it’s surprising how hard it is to maintain this discipline,
and how many have failed.
32. Listen carefully. Every collaborator who enters our orbit brings
with him or her a world more strange and complex than any we could
ever hope to imagine. By listening to the details and the subtlety of their
needs, desires, or ambitions, we fold their world onto our own. Neither
party will ever be the same.
33. Take field trips. The bandwidth of the world is greater than that
of your TV set, or the Internet, or even a totally immersive, interactive,
dynamically rendered, object-oriented, real-time, computer graphic–
simulated environment.
34. Make mistakes faster. This isn’t my idea — I borrowed it. I
think it belongs to Andy Grove.
35. Imitate. Don’t be shy about it. Try to get as close as you can. You’ll
never get all the way, and the separation might be truly remarkable.
We have only to look to Richard Hamilton and his version of Marcel
Duchamp’s large glass to see how rich, discredited, and underused
imitation is as a technique.
36. Scat. When you forget the words, do what Ella did: make up
something else … but not words.
37. Break it, stretch it, bend it, crush it, crack it, fold it.
38. Explore the other edge. Great liberty exists when we avoid
trying to run with the technological pack. We can’t find the leading edge
because it’s trampled underfoot. Try using old-tech equipment made
obsolete by an economic cycle but still rich with potential.
39. Coffee breaks, cab rides, green rooms. Real growth
often happens outside of where we intend it to, in the interstitial spaces
— what Dr. Seuss calls “the waiting place.” Hans Ulrich Obrist once
organized a science and art conference with all of the infrastructure of
a conference — the parties, chats, lunches, airport arrivals — but with
no actual conference. Apparently it was hugely successful and spawned
many ongoing collaborations.
40. Avoid fields. Jump fences. Disciplinary boundaries and
regulatory regimes are attempts to control the wilding of creative life.
They are often understandable efforts to order what are manifold,
complex, evolutionary processes. Our job is to jump the fences and
cross the fields.
41. Laugh. People visiting the studio often comment on how much we
laugh. Since I’ve become aware of this, I use it as a barometer of how
comfortably we are expressing ourselves.
42. Remember. Growth is only possible as a product of history.
Without memory, innovation is merely novelty. History gives growth a
direction. But a memory is never perfect. Every memory is a degraded
or composite image of a previous moment or event. That’s what makes
us aware of its quality as a past and not a present. It means that every
memory is new, a partial construct different from its source, and, as such,
a potential for growth itself.
43. Power to the people. Play can only happen when people
feel they have control over their lives. We can’t be free agents if we’re
not free.
Pedro Cabrita Reis
Pintor português, Pedro Cabrita Reis nasceu em 1959, em Lisboa, tendo estudado na Escola Superior de Belas Artes de Lisboa. Paralelamente ao desenho e pintura, a sua atividade inclui trabalhos de cenografia para teatro e intervenções, como a decoração do bar lisboeta "Frágil".
A obra pictórica, produzida na década de 80, caracteriza-se pela grande dimensão dos suportes, onde se representam objetos do quotidiano, reordenados em ambientes enigmáticos.
Na segunda metade dos anos 80, diversifica as modalidades de expressão, passando da pintura à escultura e à instalação. À diversidade de formas apresentadas a partir de materiais como o chumbo, o vidro, o espelho, os objetos reutilizados, o ferro e a madeira, acrescenta jogos de luz.
A sua obra faz referência a universos temáticos e formais em torno da representação de alguns dos seus símbolos (redes, espirais, labirintos e cruzes), revelando um sentido global de depuração, patente na austeridade das cores predominantemente utilizadas (negros, terras, óxidos, cinzas, castanhos) e na gestão de efeitos de luz e de brilho. Paralelamente valoriza sinais superficiais de degradação e de erosão como que provocados pelo desgaste do tempo. As suas obras tornam-se assim melancólicas ruínas da era industrial.
As suas instalações revelam qualidades de integração e de transformação espacial, com acentuado efeito plástico.
Expõe desde 1981, com alguma regularidade.
Em 2000 foi distinguido com o prémio de artes plásticas atribuído pela Associação Internacional de Críticos de Arte.
A obra pictórica, produzida na década de 80, caracteriza-se pela grande dimensão dos suportes, onde se representam objetos do quotidiano, reordenados em ambientes enigmáticos.
Na segunda metade dos anos 80, diversifica as modalidades de expressão, passando da pintura à escultura e à instalação. À diversidade de formas apresentadas a partir de materiais como o chumbo, o vidro, o espelho, os objetos reutilizados, o ferro e a madeira, acrescenta jogos de luz.
A sua obra faz referência a universos temáticos e formais em torno da representação de alguns dos seus símbolos (redes, espirais, labirintos e cruzes), revelando um sentido global de depuração, patente na austeridade das cores predominantemente utilizadas (negros, terras, óxidos, cinzas, castanhos) e na gestão de efeitos de luz e de brilho. Paralelamente valoriza sinais superficiais de degradação e de erosão como que provocados pelo desgaste do tempo. As suas obras tornam-se assim melancólicas ruínas da era industrial.
As suas instalações revelam qualidades de integração e de transformação espacial, com acentuado efeito plástico.
Expõe desde 1981, com alguma regularidade.
Em 2000 foi distinguido com o prémio de artes plásticas atribuído pela Associação Internacional de Críticos de Arte.
Pedro Cabrita Reis é um dos principais artistas de sua geração.[1] A exposição em Kunsthalle Hamburg foi a sua primeira apresentação num museu alemão. Expôs e participou em numerosas exposições internacionais, incluindo a Documenta IX, em 1992, em 2003, representou Portugal na Bienal de Veneza. Atualmente, participa na X Bienal de Lyon, com duas grandes obras. Em Hamburg Kunsthalle apresentou cerca de sessenta esculturas, incluindo pinturas, desenhos e fotografias.
Lourdes Castro
Lourdes Castro
Artista plástica portuguesa, nasceu a 9 de dezembro de 1930, no Funchal, ilha da Madeira. Frequentou o curso de Pintura na Escola de Belas-Artes de Lisboa (1950-1956). Radicada em Paris desde 1958, regressou à ilha da Madeira em 1983, onde reside. Entre 1958 e 1962, juntamente com René Bertholo, foi fundadora do grupo KWY, a que se associaram Christo, Jan Voss, João Vieira, José Escada, Gonçalo Duarte e Costa Pinheiro. No princípio da década de 1960 coleciona objetos quotidianos em assemblages, cobertos de cor prata, para, em seguida, passar a registar apenas a sua sombra. Publica, com Benjamin Patterson, Prints and Comments (1962). A partir de 1963 Lourdes de Castro começa a introduzir a cor no seu trabalho: uma cor uniforme - o vermelho, o azul ou o verde, por exemplo. Estas pesquisas sobre sombras e contornos entendem-se progressivamente da serigrafia à tela e do plexiglas ao pano, evoluindo as iniciais formas recortadas e pintadas para "sombras deitadas" que culminam nas "sombras em movimento" ou teatro de sombras (1973). Tem participado em numerosas exposições internacionais de pintura, de livros de artista e de Mail Art e apresentado espetáculos de sombras, com Manuel Zimbro, em diversas cidades europeias. Algumas exposições individuais: Baden-Baden, Stattliche Kunsthalle (1966), Indica Gallery, London (1967), Moderna Galerija, Ljubljana, Akademie der Künste (1971)
(com René Bertholo). Exposições coletivas (seleção): 5.a Bienal de São Paulo (1959 e 1985); Grupo KWY, Universidade de Saarbrüken, Alemanha; SNBA, Lisboa (1960); 1.a Bienal de Paris (1961), Diálogo, Fundação Calouste Gulbenkian, CAM, Lisboa (1985), Vraiement faux, Fondation Cartier, Paris (1988). Retrospetiva na Fundação Calouste Gulbenkian em 1992. Representou Portugal, juntamente com Francisco Tropa, na Bienal de São Paulo em 1998.
(com René Bertholo). Exposições coletivas (seleção): 5.a Bienal de São Paulo (1959 e 1985); Grupo KWY, Universidade de Saarbrüken, Alemanha; SNBA, Lisboa (1960); 1.a Bienal de Paris (1961), Diálogo, Fundação Calouste Gulbenkian, CAM, Lisboa (1985), Vraiement faux, Fondation Cartier, Paris (1988). Retrospetiva na Fundação Calouste Gulbenkian em 1992. Representou Portugal, juntamente com Francisco Tropa, na Bienal de São Paulo em 1998.
Ao falar de Lourdes Castro não poderia deixar passar o filme de Catarina Mourão, Um retrato de Lourdes de Castro.
René Bértholo
Pinto Português fez o curso da Escola de Artes Decorativas António Arroio (1947-51) e frequentou a Escola Superior de Belas-Artes de Lisboa (1951-1957).
Em 1953 participou na VII Exposição Geral de Artes Plásticas, convidado por Júlio Pomar, e no ano seguinte foi incluído por José-Augusto França no I Salão de Arte Abstracta.
Ainda na ESBAL fundou e dirigiu com outros colegas a revista «Ver» (1953-1955) e foi um dos animadores da galeria Pórtico com Lourdes Castro, José Escada, Costa Pinheiro e Teresa de Sousa (1955-57). Aí e noutras exposições da época se afirmou uma nova geração de artistas que maioritariamente optaria pelo exílio, mas o impacto público das suas exposições ficou então assinalado pela reportagem de capa do «Século Ilustrado» (6 Abril 1957) intitulada «Os jovens pintores sem bênção».
Instala-se em Paris em 1958 e começa a publicar a revista "KWY", com Lourdes Castro. Juntam-se à revista, a partir de 1960, Jan Voss e Christo, e também José Escada, Costa Pinheiro, João Vieira e Gonçalo Duarte. Publicaram-se 12 números até 1963. O grupo KWY expõe em 1960-62, em Sarrebrucken, Lisboa, Paris e Bolonha.
Em 1961 realiza os primeiros desenhos e monotipias de acumulação e espalhamento de imagens, associando figuras reconhecíveis e "abstractas", que constituem uma contribuição original no contexto da "nova figuração" que então se afirmava. Uma dessas monotipias integrou no ano 2000 a exposição retrospectiva "Making Choices" (núcleo "Seeing Double"), que o Museu de Arte Moderna de Nova Iorque dedicou ao período 1920-1960 com obras da sua colecção.
René Bértholo integrou diversas exposições colectivas que marcaram a década de 60, como «Mythologies Quotidiennes», em 1964, no Museu de Arte Moderna de Paris, embora tenha rejeitado a associação da sua pintura à então chamada "figuração narrativa".
A partir de 1966, constrói os primeiros objectos com movimento, os "modelos reduzidos", interrompendo no ano seguinte a pintura sobre tela (até 1974-75).
Em 1972-73, estadia de um ano em Berlim, convidado pela Deutscher Akademischer Austauschdienst, dedicando-se a estudos de electrónica aplicada à arte. Os projectos dos programadores electrónicos aleatórios usados nas suas esculturas móveis viria a ter consequências na invenção e na construção ("in progress") de uma "máquina de sons", com que René Bértholo veio a apresentar, publicamente só a partir de 1995, "deskoncertos de MOZIKA".
Ainda em 1972, por iniciativa do Centre National d¹Art Contemporain, realizou uma pintura mural numa parede de grande dimensão (40 x 20 metros), em Paris, na zona das Halles, Rue Dussoubs, a que se seguiram vários outros projectos de intervenção no espaço urbano, com esculturas em cerâmica e betão armado colorido, em França e, o último, em Portugal (Hospital do Barreiro, 1983).
Em 1981 regressa a Portugal e instala-se no Algarve.
O Museu de Serralves dedicou no ano 2000 uma retrospectiva à sua obra.
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